Caillebotte enfin célébré à Orsay

Préparée par l’acquisition en 2022 de la magnifique Partie de bateau, « Caillebotte, peindre les hommes » est, aussi surprenant soit-il, la toute première rétrospective que le musée d’Orsay consacre au peintre, dont la générosité fut pourtant essentielle à la constitution de ses collections impressionnistes.

Il y eut certes la mémorable exposition du Grand Palais en 1994-1995, dont le catalogue reste encore aujourd’hui une référence, mais depuis cette date, Gustave Caillebotte (1848-1894) avait davantage reçu les hommages des pays étrangers (États-Unis, Allemagne) que de sa propre patrie. Le propos de la présente exposition est d’ailleurs assez marqué par les gender studies si populaires outre-Atlantique – deux des trois commissaires sont américains, Gloria Groom et Scott Allan, le troisième étant Paul Perrin, directeur des collections du musée parisien. « Peindre les hommes » s’entend ainsi, et d’abord, comme « peindre les êtres masculins », l’œuvre de Caillebotte s’avérant peuplé aux deux tiers de figures masculines, selon une proportion inverse de celui de ses amis impressionnistes.

Gustave Caillebotte, Peintres en bâtiments, 1877. Huile sur toile, 89,3 x 116 cm. Paris, musée d’Orsay, dépôt d’une collection particulière. Photo service de presse. © musée d’Orsay, dist. GrandPalaisRmn / Sophie Crépy

Après un texte introductif énonçant l’admiration, voire le désir du peintre pour un « idéal masculin moderne défiant les stéréotypes du genre », le visiteur est d’emblée interpellé par la description qui est faite de l’autoportrait de 1892, soit quelques mois seulement avant la mort prématurée de l’artiste : ­Caillebotte, qui y cultiverait « une apparence particulièrement virile », aurait offert son tableau à un marin qu’il employait et logeait chez lui, au Petit-Gennevilliers. L’hypothèse d’un Caillebotte homosexuel – alors qu’il vécut au moins les dix dernières années de son existence en concubinage avec une jeune femme, Charlotte Berthier – va constituer le fil rouge de l’exposition. Les commissaires, toutefois, ne se cantonnent pas à l’interprétation ; ils livrent également plusieurs pièces inédites, telles ces archives évoquant son parcours militaire, qui éclairent d’un jour nouveau la biographie du peintre. La connaissance de l’œuvre s’en trouve assurément enrichie.

Gustave Caillebotte, Portrait de l’artiste, vers 1892. Huile sur toile, 40,5 x 32,5 cm. Paris, musée d’Orsay. Photo service de presse. © GrandPalaisRmn (musée d’Orsay) / Martine Beck-Coppola

Passé ce préambule, le parcours s’ouvre avec la décennie 1870, qui voit Caillebotte délaisser ses études de droit au profit de la peinture, qu’il apprend dans l’atelier de Léon Bonnat, avant d’entrer à l’École des beaux-arts. Ses toiles les plus significatives prennent pour sujet sa vie quotidienne et mettent en scène sa mère et ses frères Martial et René. C’est Le Déjeuner, où le deuil du père pèse sur les vivants réunis pour un repas de famille pour le moins lugubre ; c’est le portrait de sa mère, toujours vêtue de noir et absorbée dans son ouvrage de broderie ; c’est le Portrait de jeune homme à sa fenêtre – première occurrence d’une composition souvent reprise par la suite – qui représente de dos le viveur René regardant par la fenêtre de l’hôtel familial le boulevard Malesherbes.

Gustave Caillebotte, Jeune homme à sa fenêtre, 1876. Huile sur toile, 116 x 81 cm. Los Angeles, The J. Paul Getty Museum. Digital images courtesy of the Getty’s Open Content Program

Le premier chef-d’œuvre est montré dans la salle suivante. Refusé au Salon de 1875, Raboteurs de parquet remporte un beau succès à la II^e exposition des impressionnistes et vaut à son auteur d’être pleinement accepté par le groupe. L’élaboration du tableau, appuyé sur force dessins préparatoires, était pourtant académique. Caillebotte allait ainsi incarner, du moins à ses débuts, une tendance plus sage et réaliste du mouvement, plus à même de séduire la critique que la peinture de ses amis. L’audace, nous disent les commissaires, se loge dans les types sociaux représentés – des ouvriers, des peintres en bâtiment, auxquels Caillebotte s’identifie par son travail manuel.

Gustave Caillebotte, Les Raboteurs de parquet, 1875. Huile sur toile, 102 x 147 cm. Paris, musée d’Orsay. Photo service de presse. © Musée d’Orsay, Dist. GrandPalaisRmn / Patrice Schmidt

Un détour par la mode vestimentaire de l’époque, permis par des prêts du palais Galliera, confronte opportunément à la blouse ample de l’ouvrier la redingote austère du bourgeois, nouvel uniforme masculin de l’élite de la Troisième ­République. L’opposition est aussi genrée, l’habit féminin se distinguant par ses couleurs ou ses ornements, tel celui porté par la jeune femme du Pont de l’Europe, dont le statut social demeure indéterminé (épouse ? cocotte ?). La toile, remarquable par sa composition comme par son ambiguïté, fut présentée à la manifestation impressionniste de 1877, aux côtés de Rue de Paris, temps de pluie, tableau tout aussi magistral et dont l’Art Institute de Chicago a bien voulu se séparer le temps de l’exposition. Comme pour les Raboteurs ou les Peintres en bâtiment, plusieurs dessins au crayon viennent encadrer l’œuvre et rappeler combien elle aussi fut mûrement réfléchie.

Gustave Caillebotte, Rue de Paris, temps de pluie, 1877. Huile sur toile, 212,2 x 276,2 cm. Chicago, The Art Institute of Chicago. Photo service de presse. Image Courtesy of The Art Institute of Chicago

Gustave Caillebotte, étude pour Rue de Paris, temps de pluie, 1877. Crayon sur papier, 46 x 29 cm. Collection particulière. Photo service de presse. Photo © Caroline Coyner Photography

La section « Portraits de célibataires » est incontestablement celle qui apporte le plus de poids à la lecture homosexuelle de l’œuvre de Caillebotte. On est frappé par le nombre de modèles masculins, et surtout d’hommes restés célibataires et sans enfants, que peint l’artiste entre la fin des années 1870 et le début des années 1880. Presque tous sont des amis proches : Richard Gallo, Édouard Dessommes, Jules Froyez, Georges Roman… Un entre-soi viril et possiblement, donc, homosexuel, règne dans cette salle. La Partie de bézigue apparaît sous un nouveau jour, tout comme les scènes d’intérieur louées par Huysmans, qui y voyait une observation pénétrante des difficiles relations conjugales. Le fait que dans les deux toiles, les personnages soient posés par le fidèle Gallo et l’« amie » Charlotte, tend à accréditer l’idée que de passion amoureuse entre l’homme et la femme, non seulement il n’y a plus de trace, mais qu’il n’en a même peut-être jamais été question.

Gustave Caillebotte, La Partie de bézigue, vers 1881. Huile sur toile, 125,3 x 165,6 cm. Abu Dhabi, Louvre Abu Dhabi. Photo service de presse. © Department of Culture and Tourism – Abu Dhabi / photo APF

Les dernières sections renouent avec l’impressionnisme des champs et des loisirs, qui chez Caillebotte sont presque toujours nautiques. Grand amateur d’aviron et de voile, il peint à de multiples reprises des sportsmen, canotiers ou régatiers, adoptant, en même temps qu’une touche enlevée, des couleurs vives et claires, et usant de cadrages et de points de vue profondément originaux. Ces éléments formels ne sont toutefois guère mis en exergue par les commissaires, à la différence des questions sociales ou de genre : chaque rétrospective est bien fille de son temps.

Gustave Caillebotte, Périssoires sur l’Yerres, 1877. Huile sur toile, 103 x 156 cm. Milwaukee, Milwaukee Art Museum. Photo service de presse. Image Courtesy of the Milwaukee Art Museum. Photo John R. Glembin