Un Klimt redécouvert, un Velázquez saisissant et un nautile extravagant : les incontournables de la TEFAF Maastricht 2025

Objet ou peinture ? Ou les deux ? Sur le stand de la galerie G.Sarti, il était difficile de ne pas avoir une pensée pour son fondateur, Giovanni Sarti, disparu en septembre 2024. La très belle sélection d’œuvres présentées était à la fois un hommage à son œil et au courage de Claire Sarti, qui continue haut la main à faire vivre la galerie. Ce panneau de cassone (coffre de mariage apporté par l’épouse), dans un état exceptionnel, est attribué au peintre florentin Bernardo di Stefano Rosselli. Il illustre la victoire d’un général romain contre l’armée macédonienne, en 168 avant notre ère, et montre sa glorieuse procession au troisième jour de sa victoire : des cavaliers sonneurs de trompette, des bœufs aux cornes recouvertes d’or pour leur sacrifice proche ; le roi vaincu et ses deux jeunes enfants cheminant à pied précèdent le char de Lucius Æmilius Paulus. J.F.

Bernardo di Stefano Rosselli (1450-1526), Le triomphe de Lucius Aemelius Paulus après la bataille de Pydna, vers 1470. Tempera et feuille d’or sur panneau, 44 x 148 cm (panneau seul). Paris, galerie G.Sarti.

Ce panneau de tapisserie exposé chez De Witt ornait un devant d’autel et formait le registre inférieur d’une composition plus vaste conservée à la Burrel Collection de Glasgow. Divisé en quatre scènes distinctes – Le Portement de Croix, La Crucifixion, La Lamentation et La Mise au tombeau –, le panneau s’organise néanmoins comme une frise, avec un fond continu de paysage : à gauche, Jérusalem, puis dans le lointain une chaîne de montagnes. Si l’auteur des cartons demeure inconnu, il a cependant tiré son inspiration des gravures contemporaines d’artistes allemands, telles que La petite Passion de Dürer (gravure sur bois, 1509-1511) ou une série de gravures sur bois d’Hans Schäufelein (Speculum passionis domini nostri Ihesu Christi, publiées en 1507). Le style naïf des figures ne doit pas occulter l’extraordinaire qualité du tissage, qui se plie, comme autant de morceaux d’un puzzle, au détail de chaque personnage, avec l’emploi de fils d’argent, de cheveux humains et d’effets de relief (technique du crapautage). À l’aube du XVI^e siècle, ce panneau offre un très rare témoignage de la production de tapisserie du nord de la Suisse (Bâle ?) ou de la région du Haut-Rhin. J.F.

Quatre scènes de la Passion (détail), Suisse, vers 1510-1530. Laine, lin, fil de métal et cheveux humains, 53 x 227 cm. De Witt, Fine Tapestries, Mechelen, Belgique.

Alors que sainte Dorothée de Césarée était conduite au martyre, un homme se moqua d’elle et de sa foi en lui demandant de lui envoyer des fruits et des fleurs du jardin céleste. Dorothée le lui promit… et le miracle se produisit. C’est pourquoi ces cadeaux divins sont devenus ses attributs. Peintre romain recherché, Antiveduto Gramatica (1569-1626) a représenté la jeune sainte avec un clair-obscur et un naturalisme caravagesques. Sans son auréole, Dorothée pourrait n’être qu’une élégante romaine, dont l’expression reflète l’innocence et la modestie. L’élève a ici influencé le maître, Caravage ayant travaillé dans l’atelier de Gramatica lors de son arrivée à Rome. Brillamment exécutée et dotée d’un chromatisme subtil, cette toile proposée chez Lullo Pampoulides occupe une place de choix dans le corpus de l’artiste : dans sa monographie publiée en 1995, Gianni Papi l’avait choisie pour orner sa couverture. L.C.

Antiveduto Gramatica (1569-1626), Sainte Dorothée de Césarée, vers 1615. Huile sur toile, 81,2 x 63 cm. Londres, Lullo Pampoulides.

Cette Annonciation du XVII^e siècle est-elle une œuvre de Charles Mellin (1597-1649) ? C’est l’attribution proposée à Maastricht par la galerie Porcini, qui présente sur son stand cette toile récemment apparue sur le marché. L’historien de l’art Giuseppe Porzio la situe dans l’entourage de Simon Vouet à Rome et relève des similitudes, notamment pour la figure de l’ange, avec des tableaux de Mellin conservés au musée des Beaux-Arts de Valenciennes et au Museo di Capodimonte. Il s’agit, quoi qu’il en soit, d’une belle toile, récemment restaurée, dont l’auteur est à chercher dans le milieu des peintres français ayant œuvré à Rome au début du XVII^e siècle. L.C.

Charles Mellin (vers 1598-1649) (attribuée à), L’Annonciation. Huile sur toile, 119,5 x 169 cm. Naples, galerie Porcini

Les céphalopodes marins du genre Nautilus ont été, dès le XVI^e siècle, prétextes à la création d’objets d’art somptueux, dont les orfèvres hollandais, en particulier, se firent une spécialité. Fleurons des cabinets de curiosités, ces chefs-d’œuvre se caractérisent par une coquille souvent dépouillée de sa couche externe pour révéler l’éclat de sa nacre, parfois gravée, et mise en valeur par d’extraordinaires montures d’orfèvrerie. La coupe nautile présentée par la galerie Kugel, montée sur vermeil, est l’œuvre de Jacob Claesz de Grebber : appartenant à une famille très réputée d’orfèvres de Delft, il était venu s’installer à Amsterdam. Réalisée en 1628, sa coupe est sommée d’un triton ailé portant une néréide sur son dos, tandis que son couvercle est formé de Neptune tenant les rênes d’un cheval marin et brandissant son trident. Des taureaux marins, alternant avec des coquilles, servent de base à son piètement et supportent un escargot marin chevauché par un triton ithyphallique. Les de Grebber étaient célèbres dans toute l’Europe pour la fantaisie et l’exubérance décorative de leurs coupes nautiles. Celle de Jacob Claesz eut même les honneurs de la peinture : on la retrouve sur une nature morte hollandaise attribuée à Gerrit Willemsz Heda et conservée à la National Gallery de Londres. J.F.

Jacob Claesz. de Grebber, coupe nautile avec une monture en vermeil, Amsterdam, 1628. H : 40,5 cm. Paris, galerie Kugel.

Cette composition de Jacques Blanchard (1600-1638) montre la déesse Vénus suppliant Adonis de ne pas partir chasser. Les diagonales de la composition guident le regard du spectateur vers le visage des deux amants, avec cette palette de couleurs douces et vibrantes caractéristique de celui que l’on surnommait le Titien français. Si la provenance exacte de la composition n’est pas connue, son format presque carré et son sujet laissent supposer que l’œuvre faisait partie d’une série de toiles de même format décorant l’hôtel parisien de Louis Le Barbier et dont la sixième représentait Vénus et Adonis. Conseiller, secrétaire et maître d’hôtel du roi, il avait commandé à Blanchard pour sa demeure de la rive gauche (aujourd’hui disparue mais qui se trouvait sur l’actuel quai Voltaire), le décor d’une petite galerie composé de 8 toiles de format carré et de 6 autres de format plus en hauteur, dont L’Apollon et Daphné acquis récemment par le musée du Grand Siècle. Le thème en était les Amours des dieux. J.F.

L’étrangeté de ce tableau et la fascination qu’il provoque n’ont rien d’intentionnel. Les raisons sont au contraire très prosaïques : à la fin du XVII^e siècle, le prix du chêne s’était envolé et les peintres qui travaillaient sur bois pratiquaient le réemploi. Près de trente ans après la réalisation du portrait d’un jeune homme inconnu sur ce panneau, un autre artiste l’a recouvert de peinture pour en faire le support d’une marine. Lors de son passage aux enchères chez Christie’s en 1952, aucune mention n’était faite du portrait, qui n’a donc été révélé que récemment. Les noms des auteurs sont hypothétiques, mais il pourrait s’agir de deux peintres amstellodamois, Isaak Luttichuys (1616-1673) pour le portrait et Ludolf Backhuysen (1630-1708) pour la marine. L.C.

Attribué à Isaak Luttichuys (vers 1616-1776) et Ludolf Backhuysen (1630-1708), Bateaux sur une mer agitée, peints sur le portrait fragmentaire d’un jeune homme, vers 1655-1660 (portrait) et 1685-1690 (marine). Huile sur bois, 26,5 x 33 cm. Londres, galerie Dickinson.

La famille Drölling comptait trois artistes : le père, Martin, son fils Michel-Martin, et sa fille, Louise-Adéone. Alors que le Louvre vient d’acquérir un rare portrait d’enfant de la main de Michel-Martin, il est touchant de le voir lui-même dans l’enfance, posant pour son père. Peintre de scènes de genre, Martin Drölling (1752-1817) était particulièrement recherché pour ses portraits. Dévoilé chez Stephen Ongpin, ce charmant dessin à la sanguine, où la main gauche qui s’apprête à tourner la page fait l’objet d’une grande attention, prépare un petit portrait peint conservé dans une collection particulière, montrant le jeune garçon devant une fenêtre ouverte sur la place Vendôme, à Paris. Le fils apparaît souvent dans les tableaux du père, non seulement dans des portraits individuels ou familiaux, mais aussi comme modèle pour ses scènes de genre. L.C.

Martin Drölling (1752-1810), Le fils de l’artiste, Michel-Martin, lisant, avec deux études de sa main gauche, vers 1800. Sanguine et crayon noir sur papier vergé, 227 x 160 mm. Londres, Stephen Ongpin Fine Art.

Dominant le stand de la galerie Nicolas Bourriaud, ce grand médaillon en terre cuite, serti dans son cadre en stuc d’origine, pourrait être le troisième d’une série décorative exécutée vers 1877-1890 par Charles Cordier (1827-1905). Deux médaillons similaires appartenant à une collection particulière new-yorkaise sont déjà connus, figurant vraisemblablement Flore et Zéphyr. La jeune fille représentée ici, couronnée de fleurs et surmontée d’un épi de maïs, pourrait être Cérès et constituer une allégorie de l’Été, si l’on considère que Flore et Zéphyr personnifient respectivement le Printemps et l’Automne. Plus rares que les bustes, mais néanmoins bien présents dans son corpus, les médaillons de Cordier illustrent le même intérêt pour la représentation d’une grande diversité de femmes et d’hommes. L.C.

Charles Cordier (1827-1905), Jeune Femme de profil (probablement Cérès), 1877-1890. Terre cuite, 80 x 72 x 39 cm. Paris, galerie Nicolas Bourriaud.