Les vibrations lyriques de Vieira da Silva au Guggenheim Bilbao

« J’ai grandi dans un environnement qui me préparait à l’art », affirmait Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992), figure incontournable de l’abstraction lyrique. Née à Lisbonne dans un milieu aisé et orpheline de père à 2 ans, elle passe une enfance choyée mais solitaire ; sa famille l’encourage à devenir artiste. Après des études aux Beaux-Arts de Lisbonne, Maria Helena part pour Paris, en 1928, afin de poursuivre sa formation à l’académie de la Grande Chaumière.

Elle entre dans l’atelier de Bourdelle où elle étudie la sculpture avant de se tourner vers la peinture, un apprentissage qui joua certainement un rôle déterminant dans sa vision picturale de l’espace.

Elle découvre l’effervescence de l’avant-garde, regarde les œuvres de Picasso, Matisse, Bonnard et tout particulièrement la série des Joueurs de cartes de Cézanne, s’initie à l’impressionnisme, au futurisme et au cubisme, mais trace sa propre voie, à l’écart de tout courant existant.

Dans la capitale, Maria Helena s’éprend du peintre hongrois Árpád Szenes, avec lequel elle va former l’un des couples d’artistes les plus emblématiques du XX^e siècle, jusqu’à la mort de ce dernier en 1985. L’exposition débute par une réunion de portraits croisés où chacun prend l’autre pour modèle. Lorsqu’Árpád observe sa femme en train de peindre, il la saisit en parfaite communion avec la peinture ; fait rare, sa renommée dépassera largement celle de son mari.

À la fois lieu de travail et objet de peinture, l’atelier occupe une place centrale chez Vieira da Silva, qui en capture les grandes lignes architecturales dans des toiles comme Atelier Lisbonne (1934-1935) et Composition (1936).

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Árpád Szenes étant d’origine juive, le couple fuit la France et le nazisme ; il se réfugie d’abord au Portugal puis part pour le Brésil. Au cours de ces années sombres passées à Rio, Vieira da Silva réalise une série de toiles poignantes, évoquant la tragédie qui se déroule en Europe ; elles occupent une place à part dans son œuvre. En 1947, le retour à Paris donne lieu à des peintures lumineuses comme La Ville nocturne (1950) ou Paris, la nuit (1951). Le motif de la ville, réelle ou imaginée, tentaculaire, où grouille la foule, devient un véritable leitmotiv.

La dernière section – peut-être la plus spectaculaire – réunit une série de toiles de diverses époques, telles L’Équité (1966), Les Barricades (1968), Le Silence (1984-1988) ; elles illustrent les recherches de l’artiste autour des variations infinies du blanc.

Ses multiples expériences sur la perspective, son analyse fine de l’espace, sa fragmentation des différents plans, construisent le langage pictural de Vieira da Silva. Il se distingue par l’utilisation de mosaïques de petits carrés colorés ou de losanges, évoquant les azulejos de son pays natal ; ils donnent l’illusion que l’espace s’éloigne comme si « un tableau [n’était] jamais terminé », selon les propres mots de l’artiste.